古水

与其鲜花丛中嗅芬芳
不如故纸堆里觅华章
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Opera! Sharon Kam

*classical in mood*(不一样的古典)
沃尔夫-费拉里 歌剧「四个老顽固」
第二幕间奏曲
(Wolf-Ferrari: 
Die vier Grobiane - Intermezzo)

        尽管也曾追随潮流,探寻“真实主义”对于意大利歌剧艺术的革新之路,并留下传世佳作「圣母的珠宝」,然无论其生活的年代抑或欣赏趣味多变的当代,埃尔曼诺·沃尔夫-费拉里(Ermanno Wolf-Ferrari 1876.1.12-1948.1.21)仍被认为是一名出色的喜歌剧作曲家,信手拈来的迷人旋律和根植民间的音乐素材,令人自然联想起罗西尼时代轻歌剧的轻松和率真。
        沃尔夫-费拉里最成功的喜歌剧大多基于18世纪威尼斯剧作家戈尔多尼(Carlo Goldoni 1707-1793)的剧本创作,身为德意混血的他更常为自己的作品准备德语和意语两个版本,以便在自己声名显赫的德语地区和出生地分别上演。完成于1905-06年间的喜歌剧「四个老顽固」,取材于戈尔多尼1760年的戏剧脚本「莽汉」,全剧以轻松幽默的手法调侃了四位保守迂腐的威尼斯中产阶级,讽刺了其落后时代的清教徒式生活,及其同及时行乐的社会风尚间的种种矛盾。整部歌剧在当代已经极少在意大利以外的地方上演,但这首短小而充满生机的间奏曲却还是能给予听者心灵安抚,同时激发起对作曲家非凡才华的无穷赞叹。
        推荐以色列单簧管演奏家Sharon Kam与乐队的协奏版本,相较原曲中突出的长笛声部,黑管温暖而带鼻音的声腔,更能显出一丝欢悦底色之上的歌唱气质。 

黑管: 莎朗·卡姆***
        
(Sharon Kam)
奏: 海尔布隆符腾堡室内乐团**
        
(Württembergisches Kammerorchester Heilbronn)
指挥: 鲁本·加扎里安**
        
(Ruben Gazarian)

The Greatest Songs Ever: Hawaii Petrol Presents

拂耳海风犹如一首摇篮曲,
我在椰树间的吊床上沉沉入眠 。
一边是海水,一边是火山,
头顶是星空深邃的蓝 。

梦里时闻远处浪涛拍岸,
梦醒却无法述之以片言 。
便由日出日落云舒云卷,
穿过指间拨响根根琴弦 ......

音乐: My Hawaiian Heart(我的夏威夷心)
演奏: Jim (Kimo) West
文字: © 古水

Couperin - Trois Lecons de Tenebres The King's Consort、Robert King

*miracle of the voice*(声乐之魅)
*musica autentica*(本真之音) 之
库普兰「熄灯日课第三首」
第一段咏叹调 
(Couperin: Troisième leçon de ténèbres - I. Jod)

        熄灯礼拜(拉丁语:Office de Ténèbres)是天主教在复活节前最后三日(即圣周四、圣周五及圣周六)所举行的仪式,仪式开始后,教堂里的蜡烛依次熄灭,信徒们在黑暗中诵读或咏唱,以此缅怀主耶稣基督并哀悼当年圣城耶路撒冷的沦陷(注:公元前586年耶路撒冷遭巴比伦国王尼布甲尼撒焚毁)。
        为熄灯礼拜引入音乐是巴洛克时期法兰西作曲家的独创,M-A. 夏庞蒂埃和M. 德拉朗德两人则为先行者。弗朗索瓦·库普兰(François Couperin 1668.11.10-1733.9.11)的三首「熄灯日课」出版于1714年,其兼任路易十四御前管风琴师和皇家大键琴师期间,乃为朗尚皇家修道院(Abbaye royale de Longchamp)的圣周礼拜而作。唱词取自「旧约圣经」中“耶利米哀歌”(注:古希伯来先知耶利米所作,记述其对圣城陷落的预言、悲叹和祈愿的诗歌)第一章的前14小节。库普兰在为「熄灯日课」撰写的出版序言中明确提到三首都是为圣周四的仪式所写。由于圣周四的部分仪式常被安排在前一日晚间完成,故作品的正式法语全称为"Leçons de ténèbres pour le mercredi saint"(圣周三熄灯礼拜)。
        不同于为单声部女高音创作的前两首,第三首采用了两位女高音辅以低音维奥尔琴和管风琴伴奏的方式,双声部的卡农(轮唱)特质,明显有别于当时更为普遍的经文歌(motet)样式,宣叙和咏叹的巧妙运用,在彰显哀恸情绪之同时,更以一种近似于洛可可的纤巧细致与戏剧性渲染,于更深层面挖掘出音乐与诗歌的感人力量。

唱词对照本(拉丁语-中文):
Jod......
Manum suam misit hostis ad omnia desiderabilia eius
Quia vidit gentes ingressas sanctuarium
Suum de quibus praeceperas ne intrarent in ecclesiam tuam
敌人将魔爪伸向她所有的宝藏
虽神圣领地不容异族随意踏足

此刻她却只能面对这无情亵

独唱: 卡罗琳·桑普森***
        (Carolyn Sampson)
         玛丽安·比耶特·基***
        (Marianne Beate Kielland)
演奏: 国王合奏团***
        (The King's Consort)
指挥: 罗伯特·金***
        (Robert King) 

Concerto Serenade for Harp and Orchestra Karlheinz Zoeller

*sound of maestro*(大师原声) 之
罗德里戈「月下情歌协奏曲」
首乐章: 不太快的快板-行板
(Concierto Serenata for Harp and Orchestra - I. Estudiantina: Allegro ma non troppo-Andante)

        西班牙盲人作曲家华金·罗德里戈(Joaquín Rodrigo 1901.11.22-1999.7.6)在其38岁那年凭借一部为吉他与管弦乐队而作的「阿兰胡埃兹协奏曲」饮誉全球,并藉该作将20世纪吉他演奏艺术推向巅峰。
        尽管罗德里戈本人只是钢琴家出身,对于其它乐器的特性与演奏技法亦谈不上熟稔,然有珠玉在前,一些演奏家仍陆续向其发出了委约,除为本国的吉他宗师塞戈维亚和罗梅罗家族创作吉他协奏曲外,更有詹姆斯·高尔韦及朱利安·劳埃德·韦伯相继委托其谱写长笛及大提琴协奏曲。这部完成于1952年的「月下情歌协奏曲」,其创作缘起或是出于罗德里戈个人对于竖琴音色之钟爱,同时也携此作向当时著名的西班牙竖琴演奏家尼卡诺尔·萨巴列塔表示敬意。全曲三个乐章,分别附以“学生乐队”、“间奏”及“傍晚”的题注。首乐章以各种管乐器模仿出故弄玄虚而有些引人发笑的不协和音,轻松而富动感,仿佛是演奏不同乐器的年轻人在互相较劲和打趣,而这一切都在和谐统一在竖琴拨出的类似进行曲的主题之中,草台班子的奇趣表演居然也变得如此有声有色,迷人动听。
        该作在问世后的第四年,由题赠者萨巴列塔与西班牙国立管弦乐团在马德里首演并获成功。相隔十一年后,已过花甲之年的罗德里戈又以塞维利亚城内的希拉达钟楼为灵感,创作了另一部竖琴作品「希拉达的钟声」(Sones en la Giralda),题赠对象则是另一位享誉世界的西班牙竖琴女神--玛丽萨·罗布莱斯(Marisa Robles)。

独奏: 尼卡诺尔·萨巴列塔*** 
        (Nicanor Zabaleta 1907.1.7-1993.3.31)
协奏: 柏林广播交响乐团*** 
        (Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin)
指挥: 恩斯特·马岑朵夫***
        (Ernst Märzendorfer 1921.5.26-2009.9.16)

SWEDISH PASTORALE (A) Stockholm Sinfonietta

阿尔芬「"山大王"组曲」
第四段: 牧羊女之舞
(Alfvén: Bergakungen Suite - IV. Vallflickans dans)

        雨果·埃米尔·阿尔芬(Hugo Emil Alfvén 1872.5.1-1960.5.8)早年于斯德哥尔摩音乐学院学习小提琴,同时兼修作曲,毕业后成为斯德哥尔摩皇家歌剧院以及瑞典皇家管弦乐团的小提琴手。25岁开始游学欧洲,先后在布鲁塞尔与德累斯顿深造小提琴演奏和指挥法,回国后受聘成为斯德哥尔摩皇家音乐学院作曲系教授,并从1910年起担任乌普萨拉大学音乐系主任近30年。
        作为瑞典国民乐派的代表人物,阿尔芬的音乐在继承勃拉姆斯古典传统理念的同时,深受R. 施特劳斯配器手法影响,表现出旋律优美动人,节奏明快强烈,音色层次丰富之特点。其一生创作偏重于管弦乐,且多具标题性,民间元素的运用及厚重的织体结构,常令人联想到北欧气候特征与人文地理。除了五部交响曲和三首带附标题的“瑞典狂想曲”(其中第一号“仲夏守夜”为作曲家最著名作品)以外,舞台配乐也是阿尔文擅长之体裁,其于1923年为芭蕾哑剧「山大王」(Op. 37)所作音乐,极富浪漫色彩与狂想气质,具备非凡绘画造诣的阿尔芬,将其对于色彩和光影的敏锐直觉赋予每个音符,使音乐如一幅幅水彩画般给予听者多元感官印象。
        组曲第四段,出自舞剧第三幕中牧羊女为山大王献舞之场景,由一段动感快速的舞蹈主题连缀忧郁柔缓的中间部构成鲜明的情绪对比,后段是舞曲主题的简单再现,无穷动般的乐句反复,让人仿佛看到少女摇曳身姿间的飞扬神采。    

演奏: 斯德哥尔摩交响乐团**
         (Stockholm Sinfonietta)
指挥: 扬-奥勒夫·韦丁**
         (Jan-Olav Wedin)

Harmonica Album Sigmund Groven

        挪威国宝级口琴演奏家西格蒙·葛洛文(Sigmund Groven)的音乐之路始于1955年,当时9岁的他无意中从广播里听到口琴界前辈大师汤米·瑞利(Tommy Reilly 1919-2000)吹奏的一曲「Firefly」(萤火虫)后,立刻被这种乐器的美妙音色深深吸引,从此矢志成为一名音乐家。60年代中期,在追随瑞利学习口琴吹奏技法多年后,葛洛文开启了自己的独奏及创作生涯,从巴赫的古典作品,到披头士乐队的摇滚金曲,再由北欧民谣至当代流行及个人原创,在一支纯银的半音阶口琴里,幻化为一段段别具韵味的醉人旋律,醇厚中透出温情浪漫,灵动中蕴含质朴清新。
        在其98年专辑"Harmonica Album"中,大师精选了多首自己钟爱的电影音乐,以口琴搭配钢琴、管弦乐,呈现出与原曲截然不同却让人过耳难忘的隽永气质。这首"Motlys"(背光)出自葛洛文本人在70年代的创作,半音阶口琴富于变化的音调及柔婉浪漫的音色特质,将萦绕在作曲家记忆深处的恋恋乡愁,编织成一支宁静淡雅的诗意小品,光影疏密中,流淌着过往岁月的点滴欢愉,琴韵悠扬间,更诉说着思乡游子的真挚情怀......

Mozart: Piano Quartets (Live At Pierre Boulez Saal) Michael Barenboim

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「降E大调第二钢琴四重奏
末乐章: 小快板
(Piano Quartet No. 2 in E♭ Major, K. 493 - III. Allegretto)

        1781年定居维也纳后不久,沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart 1756.1.27-1791.12.5)便以卓绝的钢琴演奏技艺,树立起自己在音乐之都的地位,同时,在歌剧(后宫诱逃)及(钢琴)协奏曲创作上的成功,亦令其跻身当时一流作曲家之列。
        受当时上流社会娱乐风尚和审美情趣之影响,这一时期的莫扎特对弦乐四重奏产生了浓厚兴趣,加之个人对“弦四之父”海顿作品的倾慕,便诞生了后世所称的六首“海顿四重奏”。当然,创新求变的莫氏更将钢琴引入该种体裁,使之在音色、音域及和声语言上更臻饱满丰富,进而开启了以钢琴替代弦四第一小提琴,或言以钢琴搭配弦乐三重奏的演奏形式。同所有钢琴参与的室内乐形式一样,键盘乐器在音乐中的主导作用与突出地位在钢琴四重奏中依旧显而易见,延续弦四中各声部间均衡与和谐的同时,每件乐器之独特个性及独立语言更被提到前所未有的高度,得益于同时期在钢琴协奏曲写作上的成功经验,莫扎特在弦乐器同键盘乐器的对话中,捕捉到了那种细致微妙的默契与平衡。
        相继完成于29和30岁时的两部钢四K. 478和K. 493,是莫扎特为室内乐曲库奉上的匠心之作,作曲家天性中的纯真与乐观元素,无时不刻弥漫在自然流淌的乐句间,教人在亲密且轻松氛围中感受发自内心的真挚情怀。降E大调第二号,回旋曲式末乐章,钢琴先声夺人奏出呈示部主题,小提琴携手中提琴接过并反复,大提琴作低音衬托,主题回到钢琴并以切分音对应弦乐声部如歌主题;发展部旋律与和声在键盘与弦乐声部间交替互换,简短的插部经变调再现后;进入钢琴主导的再现部,乐章开头的欢乐情绪得到渲染加强,全曲在坚定的节奏音型中结束。
        这版演绎是钢琴大师巴伦博伊姆于2018年在落成不久的皮埃尔·布列兹音乐厅(Pierre Boulez Saal)的现场录音,担任弦乐声部的乐手均来自其亲手创办的西东合集管弦乐团,而小提琴手更是其任乐团首席的儿子迈克尔,老少搭配,张弛有度,大师本人在钢琴及室内乐上的深厚造诣自是完美诠释之关键! 

小提琴: 迈克尔·巴伦博伊姆**
            (Michael Barenboim)
中提琴: 尤莉娅·狄尼卡** 
            (Yulia Deyneka)
大提琴: 基安·索尔塔尼**
            (Kian Soltani)
钢琴: 丹尼尔·巴伦博伊***
         (Daniel Barenboim)

Cello Sonatas Brahms

*sound of maestro*(大师原声) 之
勃拉姆斯「F大调第二号大提琴与钢琴奏鸣曲」
第一乐章: 活泼的快板
(Sonata for Cello & Piano No.2 in F, Op. 99 - I. Allegro vivace)

        约翰内斯·勃拉姆斯(Johannes Brahms 1833.5.7-1897.4.3)于1886年夏在瑞士图恩湖畔完成了「第二号大提琴奏鸣曲」,同其「第一号大提琴奏鸣曲」(Op. 38)相隔整整21年。作品运用交响曲的创作手法及织体结构,将简洁的主题通过繁复的变化发展,呈现出强烈的戏剧效果和丰富的情感内涵,同时又在炽热之下保持了作曲家一贯的内省,让人感受到理智与激情的冰火交融。若把第一号大奏形容为“少年初识愁滋味”,那第二号便当是“老夫聊发少年狂”的最好写照了。
        第一乐章,F大调奏鸣曲式,钢琴以波涛般翻涌的震音,衬托大提琴在较高音域奏出具有咏叹调气质的第一主题,强劲的切分音则将漫长而苦涩的回忆肢解成为一阵阵短促的叹息,却始终不掩昂扬向上的情绪,第二主题隶属于第一主题,在两件乐器间交替构成和声与旋律,并产生微妙而具神秘感的对位效果,在由钢琴传递给大提琴后,藉音程与节奏之变化,实现速度与情绪的转变;展开部以柔和的半音阶行进,为乐章增添一抹浪漫优雅情调,暗示作曲家内心对于爱的执着渴求;大提琴的持续震音伴奏中渐渐导入再现部,两个主题之素材相继出现,并以更为热情的方式将音乐推向坚定的尾声。大提琴与钢琴以平分秋色之担当,展开了一场狂放的心灵博弈,却又分明在角色互换中,将作曲家内心的矛盾纠结尽显无遗,正所谓“此情无计可消除,才下眉头,却上心头。”
        推荐老罗与塞金在80年代的合作录音,暮年的钢琴前辈在正值黄金期的“Slava”面前,依然身手矫健,不逞多让,成功征服了该作对技术难度与艺术高度之双重挑战。

大提琴: 姆斯蒂斯拉夫·罗斯特罗波维奇***
            (Mstislav Rostropovich 1927.3.27-2007.4.27)
钢琴: 鲁道夫·塞*** 
         (Rudolf Serkin 1903.3.28-1991.5.8)

The Things We Did Last Summer New York Trio

        夏天很短,几声蝉鸣,几番骤雨,树叶便在阵阵秋风中淡去绿色,一同淡去的还有对爱的萌动和短暂承诺。
        夏天很浅,月下泛舟,登楼聆风,尚未能与你刻下爱的隽永诗句,转眼却又要面对漫长冬季的等待与回忆......

        「The Things We Did Last Summer」,百老汇音乐人Jule Styne与Sammy Cahn创作于1946年的流行金曲,亦是爵士乐改编之经典。由爵士钢琴家Bill Charlap、贝斯手Jay Leonhart和鼓手Bill Stewart组成的纽约爵士三重奏,在其第二张大碟中,以娴熟技巧与默契配合,为那些怀旧旋律赋予优雅气质,给予听者酣畅淋漓的夏日享受。

曲名: 去年夏天我们做的事
         (The Things We Did Last Summer)
作曲: 朱尔·斯泰恩
         (Jule Styne 1905-1994)
作词: 萨米·卡恩
         (Sammy Cahn 1913-1993)
改编/演奏: 纽约爵士三重奏
                 (New York Trio)

VIVALDI, A. / SÉJOURNÉ, E. / NOBUNAGA, Takatomi: Marimba Concertos (Fumito Nunoya, Nuss, Kurpfälzisches Kammerorchester, Schlaefli) Fumito Nunoya

*classical in mood*(不一样的古典) 之
维瓦尔第「C大调竖笛协奏曲」
首乐章: 快板
(Flautino Concerto in C Major, RV 443 - I. Allegro)

        安东尼奥·维瓦尔第(Antonio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)对于协奏曲之贡献,不仅表现在其惊人的作品数量、丰富的乐器涵盖,更在于其对大协奏曲和独奏协奏曲形式炉火纯青之造诣,深刻影响了同时代的巴赫、泰勒曼及之后整个西方音乐界。
        作为一名出色的小提琴手,维瓦尔第似乎更喜欢将高音乐器作为主(独)奏部,藉以突显乐曲歌唱般的旋律。木管乐器中的竖笛(意大利语:flautino)在横笛风靡之前,一直是最主要的巴洛克高音乐器之一,因其音色甜美温润,而常令人联想到清脆鸟鸣和怡人景致。维瓦尔第传世的竖笛协奏曲有三部(RV 443-445),其中C大调(RV 443)最频繁出现在音乐会及唱片选曲中,并常被移植到长笛或高音短笛上演奏。
        这版由马林巴琴与室内乐队合作的演绎中,独奏部俨然教人耳目一新,源自南美(一说非洲)的打击乐器,依靠金属管对木质琴板震动的共鸣,产生出浑厚圆润、余音绵长的听感,跨越多个八度的宽广音域,更令众多现代乐器亦望尘莫及。来自日本的马林巴琴演奏家布谷史人,在成功改编巴赫及皮亚佐拉等人经典作品后,更以其出神入化之演绎,彻底打破了“协奏曲之父”作品给予人“千篇一律”的肤浅认知,琴槌每一次的敲击,皆是灵感与创意的美妙迸发! 

马林巴: 布谷史人***
            (Fumito Nunoya)
协奏: 库尔普法尔茨室内乐团**
         (Kurpfälzisches Kammerorchester)
指挥: 约翰内斯·施莱弗里***
         (Johannes Schlaefli)

Bach / Dowland / Isaac / Machaut: Antiquities Mie Miki

*Bach 330* --115
*sound of maestro*(大师原声) 
*classical in mood*(不一样的古典) 之
巴赫「G大调维奥尔琴与大键琴奏鸣曲」
第二乐章: 不太快的快板
(Viola da Gamba Sonata in G, BWV 1027 - II. Allegro ma non tanto)

        大提琴于J. S. 巴赫的时代已经出现,在以演奏技法和音色表现上的优势成为低音弦乐器无可争议的“王者”前,同与之有着亲缘关系的维奥尔琴共存了很长一段时间,后者在对位上的特别表现,则让巴赫对其青睐有加,近代研究认为,著名的“大无”极有可能就是为这种古乐器所作,除此之外,以巴洛克三重奏鸣曲形式写下的三部维奥尔琴与大键琴奏鸣曲(BWV 1027-1029)亦充分发挥了低音弦乐器持重醇厚的音色特性。
        BWV 1027,普遍被认为是移植于巴赫任职克滕宫廷期间为两支横笛与通奏低音所作之三重奏鸣曲BWV 1039,题献对象则是时任首席维奥尔琴琴师克里斯蒂安·费迪南·阿贝尔(Christian Ferdinand Abel 1682-1761)。慢-快-慢-快的四乐章教堂奏鸣曲结构,反映出作曲家保守和遵循传统的一面,却以其对赋格技巧之深入探索而显示出巴洛克音乐的独特魅力。第二乐章快板中,两件乐器对于主题的轮流陈述,产生出彼此追逐和声部模仿之效果,于简单中创造出最为丰富的变化。
        不同于当代众多本真演绎所予人的严谨古朴印象,这版由日本手风琴演奏家御喜美江和中提琴大师金井信子带来的创意编曲,在节奏与对位特性上更教人耳目一新,充分展现手风琴丰富和声特质的同时,更让向来少被重视的中提琴在中音区一展温润饱满的歌喉。

中提琴: 金井信子***
            (Nobuko Imai)
手风琴: 御喜美江***
            (Mie Miki)

春の海~日本の旋律 宫城道雄

春来隅田川,满眼尽风光。
轻舟如飞梭,穿行碧波上。
船歌迴两岸,桨声泛沧浪。
此景世无双,此情莫能忘。

晨露映朝辉,粉樱蕴幽芳。
若逢故人面,灼灼散其香。
暮霭入晚霞,翠柳曳成行。
知是冶春客,折枝莫悲伤。

长堤似绣锦,玉带缀罗裳。
一轮桃李月,当窗夜未央。
春宵抵千金,韶华蹙思量。
廿载少年梦,此际莫彷徨。

        这首著名的日本童谣「花」是明治时期作曲家滝廉太郎(1879.8.24-1903.6.29)为其「四季组歌」之“春”所创作,完成发表于其21岁那年,歌词由武島羽衣填写,大致描绘了作曲家对春日某个良辰美景之浪漫感怀,歌中的“隅田川”是贯穿东京都的一条河流,两岸遍植樱花和杨柳,是当时人们冶春赏景之绝佳去处。如果你听过李叔同的“学堂乐歌”,就会发现同该曲在风格和表现手法上非常相像,的确,李叔同在日本留学期间,就受到了滝廉太郎音乐的影响,回国后,将其与西洋乐及中国诗词结合,首开中华音乐教育风气之先。
        推荐这版长笛和竖琴演绎,是缘于日本民族音乐家、筝演奏家宫城道雄(みやぎ みちお 1894-1956)用西方乐器和音乐语法演绎创作东方音乐”之主张,这在“音乐无国界”的共识出现之前,不啻为大胆创举。两位法国器乐演奏大师珠联璧合的诠释,无疑为含蓄委婉的东方乐韵注入一丝浪漫迷人气质。

长笛: 让-皮埃尔·郎帕尔
        
 (Jean-Pierre Rampal 1922.1.7-2000.5.20)
竖琴: 莉莉·拉斯
         (Lily Laskine 1893.8.31-1988.1.4)
译文: © 古水(禁止盗用及站外转载)

Bach, Händel, Vivaldi, Benda / David & Igor Oistrach David Oistrakh、Franz Konwitschny、Igor Oistrakh、Gewandhausorchester Leipzig

*sound of maestro*(大师原声) 之
萨拉萨蒂「纳瓦拉舞曲」
(Navarra For Two Violins And Orchestra, Op. 33)

        西班牙北部纳瓦拉自治省首府潘普洛纳,以其一年一度的“奔牛节”闻名于世,这里同样也是小提琴炫技大师、作曲家帕布罗·德·萨拉萨蒂(Pablo de Sarasate 1844.3.10-1908.9.20)的诞生地,民族气质中的奔放热情与个性血液里的华丽浪漫,交织出19世纪下半叶最教人难忘的美妙弦音。
        小提琴二重奏「纳瓦拉舞曲」是萨拉萨蒂向诗人诺曼·内卢达致敬之作,也是为数不多的双小提琴炫技曲中的精品。乐曲采用纳瓦拉民间舞曲旋律,风格上明显受到阿拉贡霍塔舞曲之影响,三拍子主题在引子部后呈现出浓郁的西班牙风情,随后的变奏段由两把小提琴以交替互答方式处理,双音、跳弓等技法的频繁运用极大提升了舞曲的地域特性,其间乐队伴奏更以响板、铃鼓等烘托欢乐气氛,优雅的慢板中段后,乐曲重焕开始部的欢悦情绪,小提琴精神抖擞地展示其迷人靓音之上的款款深情。
        推荐奥伊斯特拉赫父子档的演绎,默契的配合与无懈可击的技巧展示,弥补了历史录音的先天缺憾,让人在激情与灵感的碰撞中,感受音乐和舞蹈之完美交融!  

独奏: 大卫·奥伊斯特拉赫*** 
        
(David Oistrakh 1908.9.30-1974.10.24)
        伊戈尔·奥伊斯特拉赫*** 
        
(Igor Oistrakh)
协奏: 莱比锡布商大厦管弦乐团*** 
        
(Gewandhausorchester Leipzig)
指挥: 弗朗兹·康维茨尼***
        (Franz Konwitschny 1901.8.14-1962.7.28)

Notre-Dame - Les plus grands airs de la musique sacrée (Soutenez la reconstruction de la Cathédrale) Various Artists

*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
佩罗坦「圣祷」
第一段:  主佑玛利亚
(Pérotin: Beata viscera - I. Beata viscera Mariae Virginis)

       复调音乐最早出现在9世纪的西欧,于巴洛克晚期(18世纪中叶)发展至顶峰。其早期形式为在格里高利圣咏的单一声部下方添加新的声部,形成平行四度(或五度)行进的“奥加农”(organum),之后,将高低音声部以音符对音符的关系有节奏行进,又产生了名为“第斯康特”(discant)的新复调形式,至此,复调音乐已走过近三百年,其发展进入后世所称的“圣母院乐派”(Notre Dame school)时期,风格上顺应了当时“古艺术”(Ars antique)流派之主张,气质上呼应了逐渐盛行的哥特式审美。
        佩罗坦(Pérotin c. 1200)是“圣母院乐派”中有据可查并有确切作品传世的为数寥寥的两位成员之一,同其前辈同僚莱奥南(Léonin c. 1150-1201)一样,以复调音乐,主要是宗教声乐创作见长,作为教堂合唱指挥的他,谙熟声部间微妙且错综复杂之关系,在提高节奏精确性,从而改变以往奥加农演绎松散随意之同时,其更是拓展了声部数量和旋律的丰富性。这首单声部作品「圣祷」大约完成于1220年前后,形式上采用了当时较为盛行的孔杜克图斯(conductus),即不再以传统的圣咏曲调唱词为基础,作曲家将自己编写的旋律配上拉丁文格律诗,从而产生更为和谐的艺术效果,这类作品实质上可被认作经文歌(motet)的雏形。
        按照中国习俗,今天是巴黎圣母院大火百日祭,推荐这版女高音+合唱的演绎,相比单一声部,更突显作品的复调特性与听觉层次,尤适合夜万籁俱寂之时以虔诚之心默默祈祷......

独唱: 切契利亚·芭托莉***
        (Cecilia Bartoli)
合唱: 西斯廷圣堂合唱团***
        (Sistine Chapel Choir)
合唱指挥: 帕隆贝拉 蒙席
               (Massimo Palombella)

Bach, C.P.E.: Flute Concertos Emmanuel Pahud/Kammerakadamie Potsdam/Trevor Pinnock

*sound of maestro*(大师原声) 之
C. P. E. 巴赫「D小调长笛协奏曲」
末乐章: 很快的快板
(Flute Concerto in D Minor, Wq 22/H. 425 - III. Allegro di molto)

        尽管自幼受生父J. S. 巴赫及教父G. P. 泰勒曼的言传身教,卡尔·菲利普·埃曼纽尔·巴赫(Carl Philipp Emanuel Bach 1714.3.8-1788.12.14)的音乐风格却展现出迥异于父辈,而贴近时代的理念与情趣,后世将其开创的风格冠以“感性”之名,与同时期的“华丽风格”一起,引领了巴洛克向古典主义的演变。
        卡尔的早期创作以器乐为主,其中又以个人擅长的键盘(大、小键琴及早期钢琴)居多,体裁则涵盖奏鸣曲、室内乐重奏和协奏曲等。其将原本的键盘协奏曲独奏部分移植到各类旋律乐器上的做法,被后世认为明显受老巴赫影响,而其雇主腓特烈大帝(Frederick the Great),这位欧洲历史上赫赫有名的君主,对音乐的痴迷与热情,以及由此在当时柏林所营造的浓郁音乐文化氛围,更使得卡尔获得其父亲所未尝有过的理想创作环境,从而将创意与灵感完美融合,尽情挥洒。18世纪德国画家门采儿(Adolph von Menzel)曾有一幅著名的画作,描绘的正是作为长笛演奏家的腓特烈大帝在无忧宫的一场音乐会上,同担任键盘手的C. P. E. 巴赫合奏一曲的场景,一旁的听众既有皇室与内阁成员,亦有卡尔的同僚J. J. 匡茨等人,俨然一幅君臣同乐,百无禁忌之画面。
        延续原始大键琴协奏曲在乐章情绪上的突变和句式结构的流畅自由,为横笛所作的版本则加入了更多的即兴技巧段落,以强调有别于巴洛克严谨对位的和声理念与感性风尚。末乐章疾风骤雨般的主题行进更又有着“狂飙突进”式的凌厉气势,仿佛是向旧意识形态发出的一串嬉笑与嘲讽。 

独奏: 埃曼纽尔·帕胡德*** 
        
(Emmanuel Pahud)
奏: 波茨坦室内乐学会乐团*** 
        
(Kammerakadamie Potsdam)
指挥: 特雷沃·平诺克***
        (Trevor Pinnock)

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