古水

与其鲜花丛中嗅芬芳
不如故纸堆里觅华章
主博云音乐账号: 古水-LOFTER
子博乐乎用户名: 九夏樂音
Tchaikovsky, Mussorgsky, Glinka & Glazunov : Orchestral Works (Elatus) Yevgeny Mravinsky/Leningrad Philharmonic Orchestra

*sound of maestro*(大师原声) 之
格拉祖诺夫 舞剧「蕾蒙达」
第一幕第二场间奏曲
(Raymonda, Op. 57 - Act I, Scene 2 - Entr'acte)

        芭蕾于17世纪末被引入俄罗斯,在历任沙皇(女沙皇)的大力推广下得到迅速发展与普及,且逐渐集各家所长形成独具本民族特色的芭蕾学派。1830至40年代是芭蕾艺术的黄金期,随着一些卓越的西欧芭蕾大师纷纷来到俄罗斯,古典芭蕾中高超的意式技巧与华丽的法式结构同俄式浪漫碰撞出耀眼火花,进而确立了20世纪初俄罗斯芭蕾艺术在全球之领先地位。
        法国芭蕾大师莫里斯·佩蒂帕(Marius Petipa 1818-1910)曾在圣彼得堡剧院芭蕾舞团担任舞蹈总监达半个多世纪,除了为许多著名的欧洲芭蕾作品完成舞蹈编排,更成功创作了「舞姬」、「堂吉诃德」(明库斯)和「睡美人」(柴可夫斯基)等舞剧精品。其成熟的创作原则和鲜明的个人风格在亚历山大·格拉祖诺夫(Alexander Glazunov 1865.8.10-1936.3.21)担任音乐创作的两部芭蕾作品「蕾蒙达」与「四季」中得到延续和发扬,推动芭蕾俄罗斯学派迈入20世纪的辉煌。
        三幕四场芭蕾「蕾蒙达」于1898年初首演于当时的皇家马林斯基剧院,除原始版,更有之后的基洛夫剧院版、巴黎歌剧院版和美国版。故事讲述年轻女伯爵蕾蒙达在白衣仙子指引下,飘忽梦境与现实,感情游移于未婚夫布林尼及阿拉伯骑士间,历经种种考验后,有情人终得携手。这段间奏曲出现在第一幕两场间,一夜舞会未眠的蕾蒙达疲惫地睡去,在梦中于白衣仙子引领下,开始了她的梦境之旅,爱的诱惑与执着亦随着翩翩舞步缠绕女主人公的思绪......   

演奏: 列宁格勒爱乐乐团***
        (Leningrad Philharmonic Orchestra)
指挥: 叶甫根尼·穆拉文斯基***
        (Yevgeny Mravinsky 1903.6.4-1988.1.19)

Debussy: Nocturnes; Première Rhapsodie; Jeux; La Mer The Cleveland Orchestra

*sound of maestro*(大师原声) 
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
德彪西「夜曲三首」
之 海妖
(Nocturnes, L. 91 - III. Sirènes)

        19世纪末的巴黎音乐界,克劳德·德彪西(Claude Debussy 1862.8.22-1918.3.25)显然代表着一种全新的创作理念与美学观点。他极少与同行为伍,却沉迷诗歌,流连画廊,且乐此不疲地在多元艺术形态中汲取灵感,构筑起自己与众不同的感官世界。
        在将马拉美诗作「牧神午后」赋予声色并赢得赞誉后,印象派绘画中奇妙的线条及色彩变幻又令德彪西心醉神迷,乐思喷涌。完稿于1899年末的「夜曲三首」,是作曲家受象征主义诗人雷尼埃(Henri de Régnier 1864-1936)诗歌及画家惠斯勒(James Whistler 1834-1903)风景画启发而作之三乐章交响素描。“夜曲”的标题此处显然有别于传统意义上的曲式体裁,而更多是对乐曲所含装饰性效果及与光影相关之一切元素的暗示。与1900年首演的“云”及“节日”乐章不同,德彪西在一年后公演的第三乐章“海妖”中加入了八声部的女高音与女中音合唱,同器乐声部交织成一幅云谲波诡,虚实相间的绮幻画面。随着夜色慢慢降临,海面映出月之银辉,风声夹着阵阵涛声,久久迴于海天之间;一桅白帆划破漆黑夜幕,循着塞壬那魅惑的歌声,渐渐驶向平静的大海深处;霎时间波涛翻涌,水手们被吸入黑暗阴冷的海底;天色渐昉,海面重归平静,海妖们升腾为天边的云霓,在曙光照耀下悠悠散去......
        乐曲中,德彪西以摆脱旋律之人声无词哼唱结合瑰丽多彩的管弦乐配器,再现出神话传说中塞壬蛊惑性的歌声与大海变幻莫测之习性,除了以不同乐器音色模仿自然界的各种声响,更借助看似不规则的和声及捉摸不定的音型变换,对超自然现象作了意象描摹,音画联想之奇妙意境俨然超越了一般标题音乐的狭隘定义,更预示了作曲家音画巨作「大海」(La Mer)的最终诞生!

演奏: 克利夫兰管弦乐团***
        (Cleveland Orchestra)
演唱: 克利夫兰管弦乐团合唱团女成员**
        (Ladies of the Cleveland Orchestra Chorus)
指挥: 皮埃尔·布列兹***
        (Pierre Boulez 1925.3.26-2016.1.5)

Mussorgsky: Pictures at an Exhibition, Songs and Dances of Death, Night on Bare Mountain Valery Gergiev

*sound of maestro*(大师原声)  之
穆索尔斯基「图画展览会」
第九段: 母鸡脚上的小屋
(Pictures at an Exhibition - IX. The Hut on Fowl's Legs)

        1874年6月,莫杰斯特·穆索尔斯基(Modest Mussorgsky 1839.3.21-1881.3.28)仅用三周时间便完成了钢琴组曲「图画展览会」的创作,给予其丰沛灵感的正是不久前一次纪念已故俄罗斯画家维克托·哈特曼(Viktor Hartmann 1834-1873)的图画展。
        作为画家生前好友的穆索尔斯基,两人都主张艺术创作中的民族性与独创性,以音乐表现绘画虽在当时的标题音乐中早有先例,但能将十段描绘“图画”之乐曲用一个统一而富变化的“漫步”(promenade)主题有机串接,进而实现整体性,却是俄国人首创,恰如听众漫步徜徉于画廊,时而驻足欣赏一幅幅画作之余的遐思迩想。叙事性的表现手法结合俄罗斯民间音乐元素,让每一段乐曲即充满象征主义情调,同时兼有极富挑战性的器乐难度,让人从那一段段夸张怪异的旋律后面,窥见一幅幅神秘幽远的俄罗斯民俗画面。
        作品第九段“母鸡脚上的小屋”,取自画家一幅以俄式挂钟为主题的图画,而这个有点诡异的名字正是来自于斯拉夫民间传说中亦正亦邪,行踪诡秘的森林女巫“芭芭耶嘎”(Baba Yaga),据传,女巫居住在密林深处一座用母鸡脚支撑的茅屋里,出行时常手握杵臼,令人毛骨悚然地在树梢间横冲直撞。三段体的乐曲中,首尾部激烈而带诙谐意味的主题,与中段的幽寂平缓形成强烈对比,亦是对女巫呼风唤雨疾驰林间画面之大胆想象。
        作曲家逝世五年后,在同为“强力集团”成员的里姆斯基-科萨科夫力荐下,该作钢琴谱得以出版,之后便被诸多同行及钢琴家所青睐。1922年,法国作曲家M. 拉威尔将其作了配器改编,“管弦乐魔术师”的神奇再创作赋予该曲无与伦比的音响色彩与戏剧表现力,很快受到世人追捧,成为钢琴原版之外,该作最常演录的版本。

演奏: 马林斯基剧院管弦乐团***
        (Mariinsky Orchestra)
指挥: 瓦列里·捷吉耶夫***
         (Valery Gergiev)

Kurt Sanderling Edition - BEETHOVEN, L. van / BRUCKNER, A. / BRAHMS, J. / RACHMANINOV, S. (Bavarian Radio Symphony, Berlin Symphony, Sanderling) Kurt Sanderling

*sound of maestro*(大师原声) 之
拉赫玛尼诺夫「E小调第二交响曲」
第三乐章: 柔板
(Symphony No. 2 in E minor, Op. 27 - III. Adagio)

        “总盯着过去,你会瞎掉一只眼;然而忘掉历史,你会双目失明。”「第一交响曲」首演的惨败,令谢尔盖·拉赫玛尼诺夫(Sergei Rachmaninoff 1873.4.1-1943.3.28)几乎失去继续创作的信心与动力,成功的情绪开导与心理治疗,帮助其慢慢走出内心阴霾,1907年底,继「第二钢琴协奏曲」成功首演后六年,「E小调第二交响曲」问世,宽广而诗意的俄式情怀连同整曲充满张力的配器技法,让无数听者深陷情感漩涡不能自拔,该曲亦成拉氏管弦乐中最受推崇之作。
        第三乐章柔板,有着乐史上最为优美深情的旋律,平心而论,拉氏凭此便可超越老柴,而享“旋律大师”之誉。主部旋律温暖如歌似深秋旭阳,和声斑斓多姿如晚照霞光,弦乐组与单簧管交织出的动人主题,反复追溯着往日时光和一份无法释怀的内心惆怅,涧水般涓涓流淌的乐思,借级进手法加以层层渲染,诉说着作曲家对祖国的深情告白与无限依恋,在进入高潮乐段时那份濃到化不开的抑郁和压迫感让人几无喘息之力,乐队在圆号象征希望的回响中渐入平静。欲语还休,欲哭无泪的尾奏响起,恬淡而绵长的情愫,已足可抚平乡愁,慰藉余生。
        作品构思与创作期间,作为旧体制“遗老”的拉赫玛尼诺夫,目睹了沙俄政权的衰亡和泛斯拉夫主义的式微,短暂客居德累斯顿期间,对于故国的思恋和信仰的执着,更被自然而然融入了这部交响曲的每个音符间。有人曾将柴可夫斯基比作俄罗斯的贝多芬,而把拉氏誉为俄国的勃拉姆斯,虽有偏颇,却也不无道理,坚守传统和信仰之共性,使这位经历时代变革继而离乡的音乐游子作品中更带几分理性哲思下的无奈感伤,相比前辈德国人的日耳曼式谨小慎微,其粗粝不羁民族性情中的夸张与煽情,更能引发当代听者之情绪共鸣。
        库尔特·桑德林出生在普鲁士王国,早年曾任富特文格勒与老克莱伯的助手,按岁数与出道年份当于卡拉扬属同辈,而犹太血统却令其在第三帝国时期不得不选择离乡背井,远赴当时的苏联谋求发展。幸而,在红色政权统治的国度,他找到了自己的位置,于穆拉文斯基棒下的列宁格勒爱乐担任指挥,音乐生命得以重焕光彩。战后回到东德阵营的桑德林相继辗转于各大欧洲乐团,指挥才能备受推崇,兼容德奥严谨细腻与俄派浪漫抒情的风格,更令其在名家辈出的20世纪乐坛独树一帜,赢得广泛赞誉。推荐这版mono录音是大师在1956年率列宁格勒爱乐的演绎,音质上虽逊于Previn同LSO的73年EMI版,沉稳大气而张弛有度的乐句处理却也是该曲极具说服力的诠释版本之一!

演奏: 列宁格勒爱乐乐团***
        (Leningrad Philharmonic Orchestra)
指挥: 库尔特·桑德林***
        (Kurt Sanderling 1912.9.19-2011.9.18)

DUPIN / PASCULLI: Variations on Verdi's Themes Alexander Trostiansky

*sound of maestro*(大师原声)  之
杜品「茶花女幻想曲」
第六段: 辉煌的快板
(Fantasia on Arias from La traviata: VI. Allegro brillante)

        一位是来自法国乡绅家庭的青年才俊,一位是游走于巴黎上流社会的社交名媛,一次意外的邂逅,让两人不顾世俗偏见和身份差异,毅然坠入爱河,却因男方父亲的干涉造成彼此间误解,爱之甘醇变为情之苦酒,一段美好姻缘终没能冲破门第观念,此情可待成追忆的结局,留予世人无限唏嘘慨叹。
        根据小仲马(Alexandre Dumas fils 1824-1895)同名小说改编创作的歌剧「茶花女」(La traviata),完成并首演于1853年,是朱塞佩·威尔第(Giuseppe Verdi 1813.10.9-1901.1.27)最著名且最受欢迎的歌剧作品。诸多法国音乐元素同意大利歌剧传统的结合,令这部现实题材的作品在叙事性和抒情性上达到和谐。除了运用主题动机构建人物,主导剧情发展外,威尔第更借助女主人公薇奥列塔唱段的技巧与情绪变化,为整剧三幕的故事场景及情绪底色作了预设,华丽的花腔点出第一幕风月场的喧嚣和女主大病初愈之喜悦;大段突显戏剧性的咏叹和二重唱则预示第二幕的爱恨缠绵;尾幕凄美旋律萦迴及之前唱段再现更作人物性格及悲剧命运之概括。
        这首以薇奥列塔经典唱段“永远自由”作引的分曲,出自法国当代音乐家马克-奥利弗·杜品(Marc-Olivier Dupin)于1995年借用原剧多个经典唱段完成的「茶花女幻想曲」,小提琴明亮优美的音色在乐队的配衬下,展现出不同于人声的别样魅力,有“饮酒歌”中的酣畅淋漓;有“别了,美丽的回忆”的哀婉啜泣;“永远自由”的率真和甜美,更栩栩再现出一位风尘女子光鲜外表下的率真纯朴内心。

独奏小提琴: 亚历山大·特洛斯蒂安斯基***
                  (Alexander Trostiansky)
协奏: 蒙特利尔音乐家室内乐团***
        (I Musici de Montréal)
指挥: 尤里·图洛夫斯基***
        (Yuli Turovsky 1939.6.7-2013.1.15)

Giselle - Act 2 Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden

*sound of maestro*(大师原声) 之 
亚当 「吉赛尔」
第二幕: 大双人舞
(Giselle - Act II. Grand pas de deux)

        1841年6月首演于巴黎的「吉赛尔」是古典芭蕾的巅峰之作,以其对演员舞蹈技巧和表演能力的双重挑战,而享有“芭蕾舞剧之冠”的美誉。全剧两幕的灵感分别来自海涅散文中对古代精灵的记述以及雨果的诗作「幽灵」,由圣乔治(Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges)和戈蒂耶(Théophile Gautier)撰写剧本,让·克莱利(Jean Coralli)与儒勒·佩罗(Jules Perrot)负责舞蹈编排,一生创作了众多歌剧及舞剧的法国作曲家阿道夫·亚当(Adolphe Adam 1803.7.24-1856.5.3),则因这部经典的舞剧而为世人永久铭记。
        中世纪的莱茵河畔,青年贵族阿尔布雷希特在狩猎时邂逅纯洁腼腆的农家姑娘吉赛尔,一见钟情之余隐瞒了自己已有婚约的事实,却被爱慕吉赛尔的猎场看守希拉里翁识破,当众道出实情,吉赛尔惊愕之余万念俱灰,在一阵狂舞后愤恨离世。入夜,林中墓地周围,生前被薄幸郎抛弃后怨愤而死的少女们的幽灵在女王米尔达带领下,四处寻觅复仇机会,作为惩罚手段,她们会强迫路过的青年男子不停跳舞,直至力竭气尽而亡。悔恨交加的阿尔布雷希特来到逝去爱人墓前凭吊,被蛊惑欲临绝境之时,吉赛尔的幽灵出现,用自己的爱抵御了魔咒,救下负心人。黎明曙光将幽灵驱散,却也为阿尔布雷希特留下无限遗憾...
        从第一幕的田园风光的明媚舒展,到第二幕森林场景的迷离幽暗,旋律优美,气质典雅的音乐贯穿全剧始终,主题动机手法的引入,令剧中人物的性格情绪同音乐有机结合,更使得演员的每一个眼神和肢体动作,皆带上了丰富的叙事表现力,进而成就了抒情性与戏剧性的完美融合。第二幕这段男女主人公的双人舞,以恬静舒缓的行板开始,寓意两人情意绵绵的主题同林中的寂静氛围相得益彰,尾段加快的速度则表现出两人内心情绪的起伏,也预示着剧情高潮的到来。 

演奏: 皇家歌剧院管弦乐团***  
        (Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden) 
指挥: 理查德·波宁吉***  
        (Richard Bonynge)

Sinfonia in G minor Camerata Bern

*musica autentica*(本真之音) 之
蒙恩「B大调交响曲」
首乐章: 快板
(Sinfonia in B Major - I. Allegro)

        音乐史学界将1730-1820的近百年时间划分为“古典时期”,期间活跃于欧陆且音乐风格区别于巴洛克与浪漫时期的一众作曲家则构成“古典乐派”,围绕创作重心在“音乐之都”且风格一脉相承的F. J. 海顿、W. A. 莫扎特及L. v. 贝多芬等人,又出现了“第一维也纳乐派”之概念。
        格奥尔格·马蒂亚斯·蒙恩(Georg Matthias Monn 1717.4.9-1750.10.3),从唱诗班男童起步,熟悉乐器并接受过严苛的巴洛克对位训练。在其33年的短暂生命里,管风琴之职使其在维也纳之外鲜为人知,却以“前卫”的创作理念及新颖流畅的乐风,与同时代的瓦根塞尔(Georg Christoph Wagenseil)、施塔策(Josef Starzer)一起,破旧立新,引领潮流,揭开了古典时期的序幕,其将奏鸣曲形式在管弦乐中的拓展,更为之后海顿交响曲形式的确立指明了方向。
        蒙恩的创作涉及交响曲、协奏曲、弥撒音乐、室内乐四重奏和器乐奏鸣曲。其交响曲形式涵盖意式交响曲(sinfonia)和古典交响曲(symphony),展现出时代沿革之进程。这部「B大调交响曲」仍沿用了三乐章结构,配器上则保留大键琴担纲的通奏低音部,侧重弦乐同时兼具某些协奏曲特性,是为早期交响曲之典型风格,却已逐渐摒弃巴洛克繁冗的对位技法,清新洗练的主题呈示间,优雅之气扑面而来!

演奏: 伯尔尼室内乐团***
        (Camerata Bern)

Symphony No.2 in D, Op.36 Orchestre Révolutionnaire et Romantique

*sound of maestro*(大师原声)
*musica autentica*(本真之音) 之
贝多芬「D大调第二交响曲」
末乐章: 极快板
(Symphony No. 2 in D major, Op. 36 - IV. Allegro molto)

        1802年是路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)生命的重要节点,日益加剧的耳疾令其痛苦不堪,感知到自己作为音乐家的梦想渐行渐远,他在10月写下了之后被称为「海利根施塔特遗嘱」的绝命书,欲诀人寰。「D大调第二交响曲」在创作时间上恰与作曲家这一命运波折期重合,虽常被视作贝氏早期作品之尾篇,且在曲式结构上同之前的「C大调第一交响曲」俱受海顿、莫扎特交响曲之影响,却因迥异的人生际遇和世界观,而被赋予鲜明的个人气质,遂以凌霜之气蕴于毫端,龙吟之势付诸韵笺。
        面对现实逆境,是低头屈服寂然向死,还是昂首抗争哗然求生,朝着黑夜发出一声呐喊,让音符迸发出智慧的光芒,照亮人类迈向成功的征途。凝重缓慢的引子如命运之暴虐,庄严而不失活力的主题揭开整部作品欢乐的序幕,那是一位于现实中受挫继而转向内心世界,寻觅欢乐本源者迫不及待的惊呼,带着洋洋自得的喜悦和尚未散尽的愤懑;宁静抒情的慢乐章中,浪漫的牧歌响起在心灵田园的深处,木管声部温润若甘露般的流淌,给予灵魂安详的抚触和治愈;首次引入交响作品的谐谑曲,短小而富生机,奥地利乡村舞蹈的旋律宣泄着最纯朴的快乐;近乎癫狂的主题在末乐章里不断反复,不厌其烦地宣告着对生命思索的丰硕成果,洞见希望后的胜利喜悦掩却了伤口愈合处的暗红鲜血,作曲家为人称道的“英雄”形象,在此已悄然勾显。
        贝多芬将该作题献给自己早年的艺术赞助人李希诺夫斯基亲王,并于次年(1803)4月在维也纳亲自指挥了作品首演(迷恋室内乐创作的作曲家亦标新立异地为这部交响曲谱写了一个钢琴三重奏版本),极具个性色彩的音乐风格,让评论界一时愕然,却无疑预示着一个崭新音乐时代的到来!

演奏: 革命与浪漫管弦乐团***
        (Orchestre Révolutionnaire et Romantique)
指挥: 约翰·艾略特·加迪纳 爵士***
        (Sir John Eliot Gardiner)

Saint-Saëns: Samson et Dalila (2 CD's) Orchestre de Paris

*sound of maestro*(大师原声) 之
圣桑 歌剧「参孙与达丽拉
第三幕: 酒神之舞
(Samson and Delilah, Op. 47 - Act III. Bacchanale)

        "bacchanale"一词源于"Bacchus"(酒神),谓古罗马人在酒神节上所跳之舞蹈,因具狂欢气质和特定仪式感,于18世纪后被引入到古典音乐尤其是歌剧舞蹈场景中,藉以烘托剧情并增强娱乐性。
        卡米尔·圣桑(Camille Saint-Saëns 1835.10.9-1921.12.16)完稿于1876年的歌剧「参孙与达丽拉」,取材自「圣经」故事,讲述得到神赐力量的参孙,在率领希伯来人民击退异族后,英雄难过美人关,被敌人派来的奸细达丽拉色诱说出自己力量之源--一缕上帝赐予的神奇头发。同胞痛苦的哀嚎让失去神力的参孙无比内疚,决定以自我牺牲来赎罪并拯救人民,在腓力斯人的神殿中,他向上帝虔诚忏悔,终于重获力量和勇气,推倒巨柱,和敌人同归于尽。
        基于法国大歌剧之传统,圣桑在该剧创作中亦加入了芭蕾段落,以取悦观众并增强舞台效果,第三幕第二场中的这段"酒神之舞",即表现了腓力斯人在祭祀仪式上庆祝胜利时的狂喜之态。伴着神秘的古埃及节拍,腓力斯人列队起舞,表情怪诞,身姿奇异,祭坛上的参孙望着熊熊燃烧的篝火,一幕幕爱恨情仇掠过他的眼眉,悔恨交加的内心渐渐升腾起复仇的欲望......
        华丽的管弦乐音效及欢跃的节日气氛,令这首"酒神之舞"常被独立于整部歌剧之外演奏,以渲染音乐会气氛,调动听众之热情。推荐的这版1978年整剧录音,时任巴黎管弦乐团音乐总监的Barenboim,可谓意气风发,精彩的演绎将他对歌剧艺术之热情毫无保留地汇聚在指挥棒下。

演奏: 巴黎管弦乐团***
        (Orchestre de Paris)
指挥: 丹尼尔·巴伦博伊姆***
        (Daniel Barenboim)

Danzi: Ouverture, Cello Concerto & Piano Concerto Howard Griffiths

但齐「D大调序曲」
末乐章: 不太快的小快板
(Overture in D Major, P. 228: III. Allegretto ma non troppo)

        弗朗茨·伊格纳兹·但齐(Franz Ignaz Danzi 1763.6.15-1826.4.13)出生在德国西南小镇施韦青根,自幼跟随在曼海姆宫廷担任大提琴手的意大利裔父亲学习音乐,成年后辗转慕尼黑、莱比锡、斯图加特等地担任乐师及乐正,晚年专注于音乐教育和推广,62岁时卒于卡尔斯鲁厄。
        纵观但齐生活的时代,可谓人才辈出,名家云集。年长的海顿身居埃森施塔特,绸缪着古典大幕后的主音;天才的莫扎特离开萨尔茨堡,为音乐之都带去一缕清新;意气风发的贝多芬亦择高处而立,向整个欧洲挥洒着他的激情;后生可畏的韦伯更屹立潮头,奏响浪漫主义先声。身负一流大提琴家之名的但齐,虽创作体裁广泛,音乐精致迷人卓显声部美感,却在当时乃至今日频遭忽视,20世纪对其作品目录的整理修订,无疑让世人以客观的视角重新评价其于乐史之地位。
        这部「D大调序曲」,以"P"(Volkmar von Pechstaedt)编号推断,当是但齐晚期作品,形式上与意大利式交响曲(sinfonia)相仿,快-慢-快三乐章结构,兼有器乐协奏曲的对话特性与早期曼海姆交响曲之风格,末乐章中,长笛清脆的哼唱同乐队庄严的回响凝成一曲果香浓郁的秋日畅想!

演奏: 慕尼黑室内乐团**
        (Münchener Kammerorchester)
指挥: 霍华德·格里菲斯**
        (Howard Griffiths)

Symphony No.9 in D minor, Op.125 - "Choral" Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
贝多芬「D小调第九交响曲"合唱"」
末乐章: 急板-甚快板
(Symphony No. 9 in D minor, Op. 125, "Choral" - IV. Presto - Allegro assai)

        1989年11月,民主德国政府宣布开放柏林墙,这预示着这道全长155公里,穿越柏林地标建筑勃兰登堡门,并将德国分隔为东西阵营近30年的“冷战”产物即将瓦解,更预示着两德即将走向统一。一场规模盛大的纪念音乐会将在这一年的圣诞期间举行,演出曲目被确定为贝多芬的“第九交响曲”,因“指挥皇帝”卡拉扬已在几个月前驾崩,伦纳德·伯恩斯坦很自然地成为第一人选,率领由六个欧洲顶尖乐团及三个合唱团成员组成的强大阵容,于圣诞夜及圣诞节当日,在柏林墙两侧的音乐厅(剧院)各上演一次乐圣的交响曲杰作。
        时年71岁的莱尼虽已满头银发,体态臃肿,健康状况恶化,当面对这个被其本人称作“无法拒绝的机会”时,依旧身形矫健,精神矍铄地出现在排练厅,不同于他以往同纽爱或是维也纳爱乐的合作,末乐章引用自席勒诗歌的唱词中,所有的“欢乐”(freude)均被代之以“自由”(freiheit),讴歌世界大同的“欢乐颂”变成了一曲颂扬自由的“自由颂”。大师晚年极度个性主义的诠释手法依旧弥漫在整部作品中,从震撼到几乎同其阅历不相符合的高潮部分,到缓慢得有些夸张的慢速乐段,戏剧性和深思熟虑似乎成为大师对每一个音符精雕细琢的唯一合理解释。圣诞节当日在柏林音乐厅的实况录音被DG公司制成纪念版,从音乐性角度回看,那些苛求完美的乐迷或对这版演绎抱有微词,然其独一无二的历史性意义却是不容辩驳。封面人群簇拥的勃兰登堡门下,是无数颗向往自由的心,一道阻隔自由的墙倒下了,脚下或是焦灼的废墟,但却会萌发出被隔绝的沃土下所未曾有过的东西,这就是希望,获得真正自由的希望!
        谨以这首“自由颂”结束本月的“伯恩斯坦百年诞辰”主题策划,愿古典音乐开启美好心灵,引领听者摆脱蒙昧,在美妙的乐音中感受到快乐与崇高。

女高音: 琼·安德森***
           (June Anderson)
女中音: 莎拉·沃克***
           (Sarah Walker)
男高音: 克劳斯·柯尼西***
           (Klaus König)
男低音: 扬-亨德里克·卢特林***
           (Jan-Hendrik Rootering)
合唱: 巴伐利亚广播合唱团***
        (Chor des Bayerischen Rundfunks)
         柏林广播合唱团***
        (Mitglieder des Rundfunkchors Berlin)
         德累斯顿爱乐童声合唱团***
        (Chor der Philharmonie in Dresden)
演奏: 巴伐利亚广播交响乐团***
        (Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks)
        德累斯顿国立管弦乐团***
        (Staatskapelle Dresden)
        列宁格勒剧院基洛夫管弦乐团***
        (Orchester des Kirov-Theaters Leningrad)
        伦敦交响乐团***
        (London Symphony Orchestra)
        纽约爱乐乐***
        (New York Philharmonic)
        巴黎管弦乐***
        (Orchestre de Paris)
指挥: 伦纳德·伯恩斯坦***   
        (Loenard Bernstein 1918.8.25-1990.10.14)

Brahms: Symphony No.2 In D Major, Op. 73 Wiener Philharmoniker

*sound of maestro*(大师原声) 之
勃拉姆斯「"学院"节庆序曲」
(Akademische Festouvertüre, Op. 80)

        坐落于奥得河畔的布雷斯劳大学(现弗罗茨瓦夫大学),因其严谨的治学传统与学术氛围,在19世纪享誉欧洲。当获悉自己被该校授予荣誉博士学位后,46岁的约翰内斯·勃拉姆斯(Johannes Brahms 1833.5.7-1897.4.3)表现出一贯的冷静与淡定,从容提笔欲复谢函,好友舒尔茨的一句提醒,令其意识到一部贴切的音乐作品方是更合乎礼仪之回赠。
        次年夏季完成的「"学院"节庆序曲」体现出勃拉姆斯对管弦乐结构与技法的娴熟驾驭力,几首仿苏佩风格的大学生歌曲被不着痕迹地巧妙串接,轻松诙谐的旋律结合饱满明亮的配器,使音乐焕发出一种锐意进取、蓬勃向上的精神风貌,古典作品所具有之严肃庄重又完好地象征了知识殿堂的巍峨崇高。全曲按速度和调性可分四段,以主题+插部自然过渡连续演奏,管乐的嘹亮音色与弦乐的快速音阶此起彼落,共同奏响人类文明激昂向上的华章。
        晚年的伯恩斯坦对唱片界日益泛滥的后期加工技术深感厌恶,在其与VPO等乐团为DG灌录的大量经典曲目录音中,均采用了不作修饰的现场原声录音,以求对音乐作品从内涵到外表的如实还原,而这一切的基础,正是个人炉火纯青的技术和对音乐至深的领悟。这版演绎即出自大师1981在维也纳金色大厅指挥VPO的现场录音,工整大气之上不乏令人惊喜的即兴灵感,颇能展现大师晚年风格的一版!

演奏: 维也纳爱乐乐团***
        (Wiener Philharmoniker)
指挥: 伦纳德·伯恩斯坦***
        (Leonard Bernstein 1918.8.25-1990.10.14)

Symphony No. 2 ''Resurrection'' Gustav Mahler

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
马勒「C小调第二交响曲"复活"」
第五乐章末段女声二重唱/合唱: 复活颂
(Symphony No. 2 in C Minor "Resurrection" 
- V. Mit Aufschwung, aber nicht eilen. ''O Schmerz, du Alldurchdringer) 

唱词中译:(邹仲之译)
复活吧,我的身体,
经过短暂休憩,你将复活!
主召唤你,
将赐予你永恒的生命。
你将再次得到播种、开花!
我们死去后,
主收留我们,
如同收获麦捆!

请相信,我的心灵:
你的一切都未失去!
你曾渴望并为你所有的,
你曾热爱并为之奋斗的,都未失去!

请相信,你的生命并非徒然,
你的生活和苦难并非徒然!

凡已生者必死,
凡已死者必复活!
停止颤栗!
准备再生!

啊,无处不在的痛苦,
我已将你解脱!
啊,征服一切的死亡,
如今你被征服!
我将展开获得的双翼,
在爱的热烈追求中
高高飞翔,
飞向肉眼看不到的光芒!

我将展开获得的双翼,
高高飞翔!
我将死去,因此而永生!
复活吧,你将复活,
我的心灵将在顷刻间复活!
你曾为之奋斗的

将引导你前往上帝

        “我的时代终将到来!”古斯塔夫·马勒(Gustav Mahler 1860.7.7-1911.5.18)这一愤世而悲情的预言,在其逝世半个世纪后得到了应验。尽管对其音乐的贬斥声始终不绝,马勒音乐的复兴已无可辩驳地成为20世纪下半叶最重要且持久的的现象级事件,那些隐藏在新颖怪诞旋律与和声下的巧妙灵感及繁复织体,正让世人逐渐领略到蕴含其间的深刻人文内涵与恒久艺术价值。马勒的时代已经到来,更注定会属于未来!
        伯恩斯坦对于马勒音乐的兴趣,表面上或可归因于两人共同的犹太身份,青年时代音乐导师布鲁诺·瓦尔特(Bruno Walter 1872.9.15-1962.2.17)对马勒音乐的积极倡导更令兰尼耳濡目染,受益匪浅,然相同的思考角度和创作理念,或许才是令两人在音乐上超越时空维度,步入同路之根本原因,马勒在世时以指挥家身份得到保守严谨的欧洲音乐界认可,平步青云执掌维也纳国立歌剧院,而他在职务闲暇创作的交响曲和艺术歌曲,却被视为“无谓的喧哗与骚动”而受到冷落。出生在开放国度与开明时代的伯恩斯坦幸运很多,过人天赋让他在不惑之前便已蜚声世界,不光是"新大陆"美国,就连高傲挑剔的欧洲乐团都心甘情愿臣服于其指挥棒下,相比率领乐队演绎别人作品,思维活跃,个性奔放的兰尼更渴望找回年轻时的梦想,专注创作,而现实却令其摇摆于指挥与作曲,纠结两难,以至于功成名就后的他常感叹:"我是一名富有的指挥家,却是一位贫穷的作曲家。"而这点恰恰使其能够理解马勒(艺术)生存之窘境,也令其能从一位作曲家的视角去思考并解读马勒创作思想之根本。
        在谱写完标题性的首乐章后的第五年,即1893年,马勒在犹疑和摸索中续写了第二第三乐章,雄心勃勃的他决心仿照贝多芬的"第九交响曲",以一首气势宏伟的合唱曲收束整部作品,却苦于无有合适的文本而迟迟未能落笔,直到在指挥家彪罗(Hans von Bülow 1830-1894)葬礼上偶尔听到管风琴伴奏下唱出格洛普斯托克(Friedrich Gottlieb Klopstock 1724-1803)的「复活颂」,灵感之门瞬间打开,在将“原初之光”添作末乐章引子后,伟大的“复活”交响曲诞生了,虽然马勒仅引用了原诗的前八行,并亲自补上了寓意救赎和复活的精华部分,"复活"仍旧成为了该交响曲独特的标题。马勒将第一乐章中出现的"死生的诘问",二、三乐章"对生命美好瞬间的追忆"、"生命中的徒劳"片段再现于末乐章高潮段之前,第四乐章"超脱虚无现状的渴望"则带有心理暗示意义,同尾声"复活颂"所表达之对永生的热切追求及复活的无限向往形成逻辑衔接与情绪呼应。庞大的管弦乐织体营造出超越世俗听感、震撼心灵的壮丽音诗,如天国之音一般,引领每一位听者在思索中探求生命之真谛!
        作为马勒音乐的复兴者和权威演绎者,伯恩斯坦早在60年代便携NYPO在CBS唱片录制了马勒交响曲全集,当他以客座指挥身份展开与VPO的合作时,这支马勒故乡的乐团居然对同胞作品知之甚少,唏嘘之余更是坚定了兰尼深入普及马勒作品的决心,于是,从70年代直至重病期间,马勒成为他在欧洲各大音乐界演出的常规曲目,更有了之后DG整理出版的他的第二套马勒全集,相比第一套,大师的个性化风格更为突出,音乐的处理上亦有更具说服力的递进,这张"马二"是其在生命最后几年,指挥NYPO在卡内基音乐厅的录音,每一个分句的精雕细琢,无不体现出大师晚年对艺术的深思熟虑,应该说这是最贴近马勒心灵的回声,更是一位彻悟人生之长者的真实心声!

女高音: 芭芭拉·亨德里克斯***
           (Barbara Hendricks)
女中音: 克丽丝塔·路德维希***
           (Christa Ludwig)
合唱: 威斯敏斯特合唱团***
        (Westminster Choir)
演奏: 纽约爱乐乐团***
        (New York Philharmonic)
指挥: 伦纳德·伯恩斯坦***
        (Loenard Bernstein 1918.8.25-1990.10.14)

Dvorák: Symphony No.9 "From The New World"; Slavonic Dances Op.46 Israel Philharmonic Orchestra

*sound of maestro*(大师原声) 之
德沃夏克「E小调第九交响曲"自新世界"」
第二乐章: 广板
(Symphony No. 9 In E Minor, "From The New World", Op. 95, B. 178 - II. Largo)

        「E小调第九交响曲」,安东尼·德沃夏克(Antonín Dvořák 1841.9.8-1904.5.1)赴美出任音乐学院院长次年(1893)受纽约爱乐(NYPO)委托创作。对北美印第安民谣及黑人灵歌元素的创造性发掘,并驾于欧洲浪漫主义风格之传承,更同作曲家沁入骨髓的波西米亚情怀相辅相融,以草原般宽广的气度和旭日般勃勃的生机,预示着一个令人激动的全新音乐学派之诞生和创作时代之来临!
        第二乐章广板,整部作品最著名也是德沃夏克最为人熟知的音乐创作,铜管乐与定音鼓象征日出的引子部后,英国管吹出柔缓忧伤的主题,仿佛一支回荡在游子心中的思乡曲,静静泛起记忆深处伤感的涟漪。被作曲家誉为灵感来源的"海华沙之歌",此时变成一阕有声的诗篇,铺展出作曲家眼中新世界的壮丽图景,以亲历者的视角记述下两种不同文化在世纪之交的不期而遇和彼此崇敬。乐队渐入并接过主题,以变奏形式将之升华成一首激情澎湃的颂歌,象征希望的铜管乐再次响起,与乐章开头处教人无比留恋的乡愁主题形成呼应,当听者内心最柔软的地方又一次被触动时,那份兴奋中时带感伤的情绪已不知不觉中教人沉湎其中,无法自拔。
        由二战期间逃离欧洲的犹太裔音乐家于1936年组建的以色列爱乐乐团(IPO),在成立之初(巴勒斯坦爱乐)便得到了托斯卡尼尼等指挥大佬的鼎力扶植,身为犹太裔的伯恩斯坦是战后最早与该乐团建立合作关系的指挥家之一,在声誉日隆且欧洲顶尖乐团邀约不断的情况下,两者依旧维系了逾四十年的愉快合作。由于IPO不设常任指挥,在梅塔被任命为乐团历史上首位音乐总监后,这支具有超高艺术水准的亚洲乐团将“桂冠指挥”的殊荣授予了伯恩斯坦,以感谢他为乐团发展所作的巨大贡献。这版1989年的演录中,犹太民族对故乡的渴望,同波西米亚民族性格中的多愁善感,在某种程度上表现出无比相似性,向来富含激情的Lanny在第二乐章处理中所流露的情真意切,不禁教人动容,辉煌大气中所蕴含的包容与开放,更为美国人所独有。

演奏: 以色列爱乐乐团***
        (Israel Philharmonic Orchestra)
指挥: 伦纳德·伯恩斯坦***
        (Leonard Bernstein 1918.8.25-1990.10.14)

Bizet: Carmen (Highlights) Metropolitan Opera Orchestra/Leonard Bernstein

*sound of maestro*(大师原声) 之
比才 歌剧「卡门」
第三幕间奏曲
(Carmen - Act III. Entr'acte)

        四幕歌剧「卡门」取材自法国作家梅里美(Prosper Mérimée 1803-1870)的同名小说,讲述军士唐·何塞受热情妖娆的吉普赛女郎卡门诱惑,背弃婚约并同走私犯沆瀣一气,当得知心中女神移情斗牛士埃斯卡米洛后,嫉妒与愤怒化成复仇的利刃,刺向爱情叛徒。乔治·比才(Georges Bizet 1838.10.25-1875.6.3)在该剧首演失败后三个月便因病郁郁而终,而这部带有诸多真实主义和典型悲剧特质的法语(喜)歌剧,却在作曲家逝世后的十多年间迅速风靡,迄今已成为国际舞台上演频率最高的歌剧作品。
        比才一生从未去过故事发生地--塞维利亚,却在全剧音乐中描绘出了一幅幅栩栩如生的西班牙风情画,火热的弗拉明戈舞曲节拍,充满异域情调的管弦乐配器加之作曲家细腻优美的旋律构思,成为推动情节发展和塑造人物性格之要素,更为悲剧结局埋设下了伏笔。扣人心弦的第四幕由一首活泼而富节日气氛的管弦乐间奏曲拉开,此处,比才引用了西班牙作曲家马努埃尔·加西亚(Manuel García 1775-1832)轻歌剧中的一段旋律,藉以表现斗牛开始前欢闹的人群,亦为即将到来的戏剧高潮渲染气氛。
        「卡门」在美国的首演始于1884年1月的纽约大都会歌剧院(Met),尽管当时评媒态度褒贬不一,却未能阻止新大陆歌剧爱好者们对该剧的疯狂追捧。很快,Met将其列入自己的保留剧目,豪华铺张的大都会版「卡门」也成为历任指挥展示实力的试金石,莱纳、米特罗普洛斯都留下过历史录音,伯恩斯坦未曾挂职Met,却是第一个与该剧院合作演绎这部比才传世名剧的美国本土指挥家。这版73年的录音正值伯恩斯坦艺术生命巅峰期,激情与理性得到了最完美的平衡!

演奏: 大都会歌剧院管弦乐团***
        (Metropolitan Opera Orchestra)
指挥: 伦纳德·伯恩斯坦***
        (Leonard Bernstein 1918.8.25-1990.10.14)

© 古水 | Powered by LOFTER